Voyage entre théâtre et danse

Sélection documentaire de la semaine à la BU Schœlcher

Chaque semaine, la BU du campus de Schœlcher vous propose une sélection de livres, revues, BD, DVD... à lire et à emprunter à l'espace Découverte dans le hall de la BU.

Cette semaine, découvrez le " Voyage entre théâtre et danse "

Voyage entre théâtre et danse propose une sélection d’ouvrages consacrés aux dialogues entre deux arts. Le théâtre et la danse partagent une même scène, un même désir de mise en mouvement du corps et des émotions. Ces ouvrages nous invitent à nous interroger sur les influences réciproques de la dramaturgie aux écritures chorégraphiques.

Une invitation à voyager au cœur de la scène où le geste devient la parole et la parole se fait mouvement…

Les BU vous proposent ces titres, parmi beaucoup d’autres, avec un lien vers le livre sur le catalogue de la BU qui vous permettra de localiser ces références dans nos rayonnages.

 

 

  • Études Théâtrales N° 49/2010 : Théâtre et danse. Volume 2, Paroles de créateurs et regards extérieurs / IVERNEL Philippe, LONGUET MARX Anne

Si les multiples phénomènes d'hybridation auxquels théâtre et danse donnent lieu aujourd'hui ont conquis droit de cité, ils restent difficiles à fixer dans leurs limites et leur portée. La revue Etudes théâtrales leur consacre deux volumes. Le premier volume, «Filiations historiques et positions actuelles» (n. 47-48) a permis de porter un regard historique et analytique sur les forces qui animent les croisements entre ces deux arts. Le présent volume, «Paroles de créateurs et regards extérieurs», repose en première partie sur une série d'entretiens avec des artistes. Il n'est pas de meilleure expérimentation que celle de l'entretien pour éprouver à quel point la pensée est mouvement, surgissante et imprévisible, témoignant de la force qui accompagne tout processus de création. En seconde partie, sont rapportés des récits de costumier, photographe, cinéaste, peintre, sculpteur, psychanalyste, anthropologue, lexicologue... qui témoignent d'une implication directe de leur discipline dans l'exercice conjugué du théâtre et de la danse. Majoritairement dues à des artistes, cette trentaine de contributions confirment, à travers un entrelacs de convergences et de divergences, l'hypothèse d'une dialectique féconde entre théâtre et danse.

Une œuvre dansée ou un mouvement se voient souvent qualifiés de "très écrits". Pourtant, la question est désormais bien balisée : pour clarifier d'emblée, la danse n'étant pas une langue, elle ne peut être écrite, en revanche, elle se note, ce qui n'est pas du tout pareil. Noter suppose un système graphique qui traduit l'apparence et non la nature de la danse, et il en existe plusieurs et depuis longtemps. Mais l'usage permanent des termes "écriture" ou "vocabulaire" pour un art qui n'en a pas besoin témoigne d'une obsession qui n'est pas sans conséquence, en particulier en matière de mémoire et de culture. Si les multiples phénomènes d'hybridation auxquels théâtre et danse donnent lieu aujourd'hui ont conquis droit de cité, ils restent difficiles à fixer dans leurs limites et leur portée. La revue Etudes théâtrales leur consacre deux volumes. Le premier volume, «Filiations historiques et positions actuelles» (n. 47-48) a permis de porter un regard historique et analytique sur les forces qui animent les croisements entre ces deux arts. Le présent volume, «Paroles de créateurs et regards extérieurs», repose en première partie sur une série d'entretiens avec des artistes..

 

Paradoxale combinaison de simplicité et de complexité, le mouvement dansé soulève des défis philosophiques que ce livre tente de relever en examinant les différentes définitions de l'art, le fonctionnement et le statut ontologique des propriétés chorégraphiques, des processus créatifs, de la notation, des représentations scéniques. La danse est-elle une expression naturelle ou un art hermétique recouvrant une déconcertante diversité d'œuvres ? Existe-t-il une frontière indépassable entre la danse vécue par le danseur et la danse vue par le spectateur ? L'œuvre de danse, unique malgré ses multiples interprétations, est-elle une entité abstraite ou une incarnation concrète ? Un produit fini ou un processus jamais achevé ? Peut-on la comprendre sans explication ? Nos émotions répondent-elles à sa beauté ? Par une analyse approfondie du concept d'expression et des notions de technique, de style, d'interprétation juste et de signification, l'ouvrage tente de répondre à ces questions en défendant la thèse selon laquelle la danse est "faite d'extériorité" ; elle résulte moins d'une intention intérieure et mystérieuse que d'une série d'actions et d'interactions conciliant la réceptivité et l'activité, l'émotion et la compréhension, la spontanéité et la délibération, la contrainte et la liberté. Manifestation éphémère de la complexité physique et rationnelle de l'homme, la danse témoigne de cette nature qui fait de nous ce que nous sommes mais que nous ne possédons pas.

 

Un mystérieux carnet... nous lance sur la piste d'un maître à danser entreprenant des années 1760, de Mademoiselle sa fille et de leur entourage. A partir de la place du Martroy au cœur d'Orléans, l'enquête s'élargit à la sociabilité urbaine au temps des Lumières. Décentrant résolument le regard, elle éclaire d'un jour nouveau diverses villes du royaume. On découvre les réalités concrètes du métier de maître à danser, installé ou réclamé jusque dans les petites villes. On mesure la place occupée par la danse récréative : loisir, plaisir, passion, elle est aussi objet d'ostentation, conquis grâce aux leçons et à l'imitation. Elle devient signe d'un accès à la mode, mieux, à la modernité. Menuets et contredanses, leçons de danse et bals publics constituent une médiation originale vers l'histoire urbaine du XVIIIe siècle. Pour décrypter ses hiérarchies et ses aspirations, à travers les comportements culturels et les mécanismes de leur transmission, la circulation et la diffusion des modes, la propagation et l'appropriation des critères de distinction.

 

Dans un livre à la fois recueil d'aphorismes, anthologie poétique et méditation théorique, Olivier Py nous offre ses Mille et Une Définitions du théâtre. Métaphores, allégories ou anecdotes historiques nous font voyager à travers tous les théâtres, des Grecs à nos jours, souvent guidés par la figure de Hamlet. Avec des accents lyriques et jubilatoires, il fait de cet art la forme de pensée la plus urgente de son temps, un art d'être au monde.

 

 

Jusqu'au XIXe siècle, l'auteur et l'acteur régnaient sur la scène. Ce n'est qu'autour de 1880 que le metteur en scène s'impose à leur côté et avec lui, un art nouveau, la mise en scène. Mais comment faisait-on avant, pour ordonner la pratique de la scène et lui donner sens et poésie ? C'est à cette question, adressée au théâtre de toute l'Europe, que ce livre veut répondre. Les études ici réunies dessinent les prémices véritables du théâtre d'aujourd'hui.

 

" On reconnaîtra dans cet ouvrage des qualités rarement combinées : des notes personnelles sur une pratique, indispensables pour comprendre un cheminement, un traité théorique sur le métier de l'acteur, des suggestions d'exercices pour l'entraînement. L'exigence théorique du traité ne le cède en rien à la qualité artistique des réalisations : dans la lignée de Copeau, Jouvet et Vitez, Michel Liard donne sa propre vision du théâtre. 11 ne dissocie pas la compréhension du texte de sa diction par l'acteur, le travail de l'acteur de la mise en scène. En suivant la progression des exercices, l'apprenti comédien se formera de manière complète et douce…

 

 Titre original : Conditioning for Dance. Training for Whole-Body Coordination and Efficiency / FRANKLIN Éric.

- sommité internationale dans le domaine des techniques de visualisation mentale pour l'entraînement de danse - a mis au point une méthode d'entraînement utilisée dans de nombreuses compagnies et écoles de danse du monde entier. Dans cette nouvelle édition de La Préparation du danseur, l'auteur intègre les résultats des dernières recherches scientifiques sur la force, la flexibilité et l'entrainement avec ses propres exercices spécifiques à la danse. Ce manuel, divisé en deux volumes (voir le plan de l'ouvrage ci-dessous), offre donc un large éventail de matériel entièrement nouveau. Plus de 100 exercices inédits pour entraîner toutes les parties du corps, utiles à tous les danseurs pour les différents genres, formes et styles de danse. Des photos et dessins entièrement en couleur, avec plus de 100 nouvelles illustrations pour expliquer les exercices et leur exécution. 1 nouveau chapitre pour un programme de formation complet. De nouvelles ressources en ligne, notamment : 22 clips vidéo (en anglais) dans lesquels Franklin lui-même tait une démonstration de comment exécuter correctement des exercices décrits dans le texte ; 2 séries de 20 min d'exercices pour l'ensemble du corps avec des bandes élastiques pour augmenter la force et la préparation à la danse ; 1 programme d'entraînement personnalisé pour fixer des objectifs chapitre par chapitre et suivre ses progrès. La Préparation du danseur combine la visualisation, la concentration et l'entraînement pour améliorer sa technique et ses performances, en étant toujours très attentive à une stratégie de prévention des blessures. En suivant les principes de la kinesthésie lors des exercices, le danseur prendra conscience de chaque mouvement et remarquera les bénéfices immédiats sur le développement, la force et la flexibilité de son corps.

 

Le grand critique de danse américain, John Martin, écrivait à propos de Doris Humphrey : " Nulle parmi ces pionnières, visionnaires de grande envergure, totalement dévouées, qui réussissent à donner une identité à un art nouveau, ne fit preuve d'autant de force d'esprit et de détermination que Doris Humphrey, et c'est un privilège que de côtoyer une telle grandeur, humaine et artistique... ".

 

 

Depuis le mouvement de tertiarisation des formations supérieures, la question de "l'insertion professionnelle" a gagné en importance. La situation dans les professions artistiques reste peu investiguée. Comment comprendre alors le formidable pouvoir d'appel exercé par ces métiers pourtant réputés précaires ? Au travers du cas des comédiens et des comédiennes issu-e-s de la Manufacture, seule haute école de théâtre active en Suisse romande, cet ouvrage prend le parti d'interroger le phénomène, non pas comme un problème politique ou économique, mais sous un angle sociologique, existentiel et critique. Détenir un titre de haute école spécialisée fait-il une différence sur le marché ? Y a-t-il des stratégies et des circonstances d'entrée dans le métier respectivement plus payantes ou favorables que d'autres ? Bref, comment s'en sortir ? Et comment garder foi et goût dans le théâtre alors que le maintien en emploi demeure plus qu'incertain ? En examinant les conditions structurelles, institutionnelles et individuelles d'arrivée dans le métier, ce sont les configurations et les profils spécifiques aux débuts de carrière dans un univers artistique à la fois saturé et toujours en quête de sang neuf que ce livre propose de mettre au jour.

 

De 1871 à 1936, des débuts de la IIIe République au Front populaire en passant par la «Belle Epoque» et les «Années folles», les Folies-Bergère dominent le monde du music-hall parisien. Elles exploitent l'engouement pour les diversités anthropologiques, en mettant l'accent sur l'étrangeté et sur l'anormalité. On peut y applaudir des exhibitions de curiosités, telles que les femmes-canons, les hercules ou les géants, y découvrir des numéros «circassiens» ou redécouvrir la tradition des fêtes foraines avec la présence de femmes à barbe, de contorsionnistes et d'hommes-troncs. Les danseurs, qui deviennent une partie essentielle du spectacle à partir du début du XXe siècle, apportent à leur tour des pratiques nouvelles, étranges tout autant qu'étrangères Dans ce couple antinomique de fascination et de dégoût se construit l'immense succès des Fores-Bergère et de leur revue à grand spectacle, que l'auteur analyse au prisme de l'attitude de la population vis-à-vis des formes variées de l'étrangeté.

 

Depuis l'Antiquité, l'esthétique théâtrale apparaît comme une pensée interrogeant sans relâche l'art du théâtre et ses pratiques. L'objectif de ce livre est de faire découvrir les principales théories du théâtre tout en offrant une réflexion sur les grandes questions concernant la création et la réception de l'oeuvre théâtrale. Les positions esthétiques des principaux théoriciens du théâtre, de Platon à Brecht, sont abordées, tandis que sont mises en lumière les filiations qui nous permettent encore aujourd'hui de penser le théâtre, du texte à la mise en scène.

 

 

Qui n'a rêvé un jour de faire de la comédie, de tourner devant une caméra, en un mot d'être acteur. Bien sûr, il faut pour cela un minimum de talent mais il y a aussi, et surtout, des méthodes et des règles à respecter comme dans toute autre profession. C'est ce que vous propose de découvrir le Guide du Comédien. Vous y trouverez l'inventaire de tout ce que le jeune comédien doit savoir pour la réussite de sa formation et de son insertion professionnelle. Comment : choisir une école d'art dramatique ? préparer un concours, un casting, une audition ? trouver un agent, un bon photographe ? se faire des relations ? entrer en contact avec les professionnels ? éviter les arnaques et les pièges de certains professionnels ?... C'est, entre autres, à toutes ces questions que répond le Guide du Comédien.

 

 

 

Bonne lecture !

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